Remerciez-le!

Remerciez @Admin pour avoir partagé cet document gratuitement, de la manière la plus simple, en partageant sur les réseaux sociaux.

QUELS ÉLÉMENTS FAIRE APPARAÎTRE DANS UN COMPTE RENDU DE SPECTACLE ? Suivre un e

QUELS ÉLÉMENTS FAIRE APPARAÎTRE DANS UN COMPTE RENDU DE SPECTACLE ? Suivre un enseignement de théâtre au lycée – qu’il soit de spécialité ou option facultative – implique nécessairement une pratique régulière de spectateur. Il ne s’agit pas simplement d’étudier, de lire ou de jouer : s’intéresser au théâtre suppose également qu’on éduque son œil et, en prolongement, son jugement. Le spectacle vivant offre l’avantage du direct mais il est souvent nécessaire de laisser mûrir son regard sur ce qu’on a vu. Vous aurez donc à produire plusieurs comptes rendus sous diverses formes : un texte rédigé et composé, un abécédaire, un poème, une réalisation plastique accompagnée d’une note… Pour être évaluées avec pertinence, ces productions doivent être rendues dans des délais raisonnables, n’excédant pas une dizaine de jours. Au- delà, la mémoire est fuyante et le compte rendu perd sensiblement de son intérêt. Rappel : les élèves de spécialité en Terminale doivent inclure entre trois et cinq comptes rendus dans leur carnet de bord qu’ils apportent lors de l’épreuve orale et qui sert de support à l’entretien avec le jury. Vous restez libres de l’organisation de ce compte rendu mais si vous êtes hésitant sur ce qu’il est important d’y faire apparaître, servez-vous des rubriques et des questions suivantes (qui ne sont certainement pas toutes à renseigner chaque fois puisque tout dépend du spectacle que vous avez vu). Si vous souhaitez rédiger traditionnellement votre compte rendu, consultez les deux méthodes possibles pour l’organiser. Voici donc les points essentiels qui peuvent apparaître dans vos comptes rendus : La fiche technique avec le titre du spectacle, le nom de l’auteur (s’il y a un texte), le nom de la compagnie et du metteur en scène, le lieu et la date de représentation. S’il y a un texte, indiquer sa date de publication et éventuellement, le courant artistique auquel il appartient. Si c’est une pièce, préciser de quel genre dramatique il s’agit (comédie ? tragédie ? autre ?). Préciser aussi s’il s’agit d’une œuvre initiale, d’une traduction (qui est le traducteur ?), d’une adaptation, d’une réécriture, d’un montage de textes, d’une création collective, d’une écriture de plateau ? S’il n’y a pas de texte, indiquer si c’est du mime, de la chorégraphie, du cirque, un spectacle mélangeant plusieurs disciplines. L’intrigue, la fable (s’il y a une dimension narrative au spectacle) avec la présentation rapide des personnages et un résumé en quelques lignes dans lesquelles vous irez à l’essentiel, de l’action du début à la fin. Les éléments du spectacle. Il s’agit de décoder les intentions du metteur en scène et de comprendre les relations signifiantes qu’entretiennent les différents éléments qui composent le spectacle. De manière générale, vous devez vous interroger régulièrement sur les relations que le spectacle entretient avec le réel.  Pour amorcer votre analyse, indiquez vos premières impressions avant que le spectacle ne commence : la salle est-elle remplie ? Ya-t-il des éléments de décors visibles à décrire ? 1. La scénographie - L’espace  Est-il plutôt vide ? plutôt plein ? L’espace est-il vide ou bien y a-t-il un décor ? Dans ce cas, le décor est-il minimaliste ou abondant ?  L’espace est-il évolutif ? Si oui, comment les transformations se font-elles ? À vue (= sous les yeux du spectateur) ou dissimulées derrière le rideau ou encore dans le noir ? Qu’évoquent ces transformations ?  Y a-t-il l’évocation d’un hors-scène ? Si oui, de quelle façon ?  Comment le décor est-il constitué ? S'agit-il d'éléments disparates (= variés, peu assortis, hétéroclites) ? Est-ce réaliste ? Fait-il référence à une époque, à un environnement précis ?  Comment le public est-il disposé par rapport à l’espace scénique ? S’agit-il d’un rapport frontal, bi-frontal, tri- frontal, circulaire, itinérant, etc. La salle est-elle incluse ou non dans la scénographie ?  S’agit-il d’un espace naturaliste, réaliste, symboliste, vide, qui affiche la théâtralité ?  Parce que la réflexion sur l’espace est indissociable de celle sur le temps, on relèvera le lien entre la durée réelle de la représentation et la durée de la fable ? Quel est le rythme de la représentation : lent, rapide, continu, discontinu ? Avec des accélérations ? Une dilatation du temps ? Des effets de répétitions ? Des ellipses ? Des retours en arrière ? Une fragmentation du temps ? - La machinerie  Y a-t-il des effets spéciaux, utilisation des cintres, des dessous, de trappes, etc ? La technique veut-elle se cacher ou au contraire se montrer pour souligner la théâtralité ? - Les lumières (Utilisez vos connaissances en lien avec le cours de début d’année)  La lumière est-elle vive ou diffuse (=répandue de façon irrégulière, dans tous les sens) ? plein-feu ? clair-obscur ? ombres ? obscurité ? isolation d’un comédien ? isolation d’un élément sur scène ?  Quelles couleurs (chaudes, froides) ? Comment ces couleurs sont-elles utilisées ? Quelle atmosphère rendent- elles ?  Y a-t-il un véritable travail signifiant de la lumière dans le spectacle (sur le clair-obscur, par exemple) ? Quel rapport avec la temporalité dans le spectacle (effet d’aube, de plein soleil, de crépuscule, de nuit,…) ? Rythme-t-elle la représentation ? Quel est son rôle : éclairer, suggérer, commenter les actions ? Est-elle naturaliste, symboliste, fonctionnelle, poétique ? - Les objets  Quels objets notables ? Quelle est leur fonction : réaliste ? symbolique ? parodique ? - Les sons et la musique  Le metteur en scène a-t-il utilisé des sons, de la musique ? Quel sens ajoutent-ils ( ils créent une atmosphère, ils illustrent, ils soulignent un moment de jeu ou la tension dramatique, ils ponctuent la mise en scène, ils créent un effet d’étrangeté…) ?  Y a-t-il une bande son enregistrée (off) ? Des musiciens jouent-ils, des comédiens produisent-ils des sons directement sur le plateau (in) ? S’il y a des musiciens, sont-ils intégrés dans le jeu ou sont-ils plutôt en retrait ? - L’image, la vidéo  Quel type d’images (photos, vidéos, peintures) ? Quels supports de projection (cyclorama, tulle, paroi, objet, corps) ? L’image est-elle en prise directe ou enregistrée ? Sa présence est-elle continue ou ponctuelle ? Quel rapport ces images entretiennent-elles avec les comédiens ? Leur fonction est-elle illustrative ? narrative ? symbolique ? 2. Le jeu des comédiens (qui permet le déploiement de l’espace et développe la théâtralité) - Le corps  Quelle gestuelle ? Quelles démarches, postures, mimiques ? De la danse ? Du mime ? - La voix et le phrasé  La voix est-elle chaude ? aiguë ? grave ? métallique ?  Quel travail de la diction et du phrasé ? Quel rythme de la parole ? Quelles variations : accentuation, effacement, cri, chuchotement, silence ? - Les codes de jeu  Le jeu est-il discret, retenu, neutre, exagéré, caricatural ? Est-il naturaliste, réaliste, expressionniste, symboliste ?  Y a-t-il un jeu de clown ? S’agit-il de farce ? de commedia dell’arte ? de vaudeville ? de tragédie ? Le jeu est-il distancié (voir quatrième mur brisé ou intervention d’un chœur pour commenter, par exemple) ? Reprend-il des codes orientaux ? Fait-il référence aux marionnettes, au cinéma, à la B.D. etc ? - Les costumes, les masques, les maquillages, les perruques, les accessoires de jeu  Sont-ils d'époque (contemporain de la pièce) ? Révèlent-ils le caractère des personnages ? Leur milieu social ?  Dissimulent-ils les corps ? Le mettent-ils en valeur ? Le transforment-ils ? A-t-on choisi la nudité ?  Leur utilisation est-elle réaliste ? symbolique ? parodique ? poétique ? - Les rapports du comédien et du groupe  Y a-t-il des contacts physiques ? des jeux de regards et d’adresse ? une communication non-verbale ? - L’inscription des comédiens dans l’espace  Les comédiens occupent-ils l’espace scénique au moment où les spectateurs entrent dans l’espace théâtral ? Le quatrième mur est-il présent ou brisé, ou jeu avec les deux ? Quels déplacements, quelles trajectoires ? Quelle dynamique du (des) corps dans l’espace scénique ? De manière générale, interroger aussi le rapport comédien/texte, comédien/personnage, comédien/spectateur dans la globalité du spectacle. 3. Les partis pris de mise en scène Il s’agit de tenter de dégager les lignes de forces de cette mise en scène, d’analyser le projet. - Le type de mise en scène (= les catégories les plus fréquentes de mise en scène selon Patrice Pavis dans L’Analyse des spectacles, édition Armand Colin, 2012) - mise en scène naturaliste ? la scénographie, le jeu, le rythme se donnent comme imitation très précise du réel ( ce qu’on nomme la mimésis). - mise en scène réaliste ? le réel n’est plus rendu photographiquement comme dans le cas précédent mais il est codifié en un ensemble précis de signes choisis ; la mimésis est sélective, critique et globale. - mise en scène symboliste ? la réalité représentée est une vision mentale du monde réel. Les signes sont de l’ordre du symbole ou de l’allégorie. - mise en scène expressionniste ? certains traits du réel sont nettement soulignés, proches de la caricature. uploads/s3/ elements-pour-un-compte-rendu-de-theatre.pdf