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La luminosité des couleurs, la simplicité de la technique, l'expression - les peintures de l'artiste français Henri Matisse étonnent par leur originalité. Le leader du fauvisme a essayé un tas de tendances dans les arts visuels avant de trouver son propre style, défini par un caractère "sauvage". Nous voulons commencer notre intervention par la citation de Matisse qui caracterise son style et son attitude envers l’art. Henri Émile Benoît Matisse, peintre, dessinateur et sculpteur français, naît le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis dans une famille de marchands de céréales prospères. En tant que premier enfant de la famille, il devait poursuivre l'œuvre de son père. Mais, apparemment, le garçon a hérité des gènes de sa mère, qui aimait passer son temps libre à peindre des objets en céramique. Henri a étudié à l'école, puis au lycée. Ensuite, il est allé à Paris pour comprendre les sciences juridiques sur les conseils de son père. Avec un diplôme, loin de l'art, il est rentré chez lui, où il a travaillé pendant plusieurs mois comme commis. Le destin était décidé de la maladie. La biographie créative de l'artiste a commencé en 1889, quand Henri Matisse était atteint d'appendicite. Il se remettait de l'opération pendant deux mois. Pour que son fils ne s'ennuie pas, sa mère a apporté des fournitures de dessin à l'hôpital et Matisse a commencé à copier des cartes postales en couleur. À ce moment-là, le jeune homme a finalement compris ce qu'il voulait consacrer à sa vie. Matisse abandonne le métier de juriste en 1891 pour se consacrer entièrement à la peinture. Il étudie à l'Académie Julian de Paris, avec le peintre traditionaliste Adolphe William Bouguereau comme professeur. Matisse échoue à l'examen d'entrée de l'École des Beaux-Arts en 1892 et quitte également l'Académie Julian. Il commence à peindre dans l'atelier de Gustave Moreau et rencontre futur artiste célèbre Albert Marquet, avec qui il se lie d'amitié. Le cercle d'intérêts au début de la créativité comprenait l'art contemporain, Henri Matisse était également curieux de la direction japonaise. Le symboliste Moreau a envoié ses élèves apprendre à "jouer avec la couleur" au Louvre, où Henri a tenté d'imiter les classiques de la peinture en copiant des tableaux. Le maître l’a enseigné à "rêver de couleur", c'est là que la passion de Matisse pour trouver les bonnes nuances pour transmettre ses émotions. Matisse n’était pas intéressé par l’imitation de la nature. « Je me suis servi de la couleur comme moyen d’expression de mon émotion et non de transcription de la nature ». Tout passe donc par la sensation. « Pour rendre un paysage d’automne, je n’essaierai pas de me rappeler quelles teintes conviennent à cette saison, je m’inspirerai seulement de la sensation qu’elle me procure : la pureté glacée du ciel, qui est d’un bleu aigre, exprimera la saison tout aussi bien que le nuancement des feuillages ». L'étude des classiques ennuie rapidement l'artiste, et il se tourne vers les impressionnistes, en particulier, il admire les peintures de Vincent van Gogh. La couleur des premières œuvres était encore terne, mais a progressivement gagné en jus, l'attrait pour l'impressionnisme a commencé à se transformer en son propre style unique. Déjà en 1896, les premières créations du peintre novice ont commencé à apparaître dans les salons d'art. La première exposition personnelle n'a pas fait sensation dans les cercles des connaisseurs d'art. Henri Matisse décide de quitter la capitale française pour le nord, où il s'essaye à la technique de pointillisme ( Le pointillisme est une technique picturale qui utilise de petites zones de couleur juxtaposées plutôt que des mélanges de pâtes colorées) A cette époque, sous son pinceau est sorti le premier chef-d'œuvre - "Luxe, calme et volupté ". Mais l'homme n'a pas trouvé ce style "indigène". La révolution dans le travail de l'artiste a eu lieu en 1905. Matisse, avec un groupe d'artistes, a créé un nouveau style de peinture appelé fauvisme. L'énergie des couleurs, présentée à l'exposition à l'automne, a choqué le public. Henri a présenté deux œuvres – un portrait de «Femme au chapeau» et une image de «fenêtre ouverte». Une vague d'indignation s'est abattue sur les artistes, les visiteurs de l'exposition ne comprenaient pas comment toutes les traditions des beaux-arts pouvaient être négligées. Les fondateurs du style ont été baptisés fauvistes, c'est-à-dire sauvages. Cependant, une telle attention, bien que négative, a apporté la popularité de Matisse. Plus tard, l'artiste rencontre Pablo Picasso, encore inconnu à cette époque. Leur communication s'est transformée en décennies d'amitié. Le 8 janvier 1898, Matisse épouse Amélie Noémie Alexandrine Parayre, qui deviendra son principal modèle. L'un des célèbres tableaux dédiés à sa femme est "La Raie Verte" peinte en 1905. Deux des toiles les plus célèbres - "La Danse" et "La Musique" - Matisse a peint pour le mécène des arts Sergei Shchukin. Le Russe a commandé des peintures pour une maison à Moscou. L'artiste, tout en travaillant sur des croquis, s'est fixé pour objectif de créer quelque chose pour que celui qui entre dans le manoir ressente du soulagement et de la paix. Immédiatement après, il se rendit en Algérie, et à son retour, il a peint le tableau « Nu bleu». Ce voyage a laissé une empreinte indélébile sur Matisse, de nouveaux éléments apparaissent dans son oeuvre, l'homme crée des lithographies, des gravures sur céramique et sur bois. A cette époque, son travail a progressivement commencé à perdre les signes du fauvisme, rempli de subtilité et de profondeur particulière, un lien avec la nature est apparu. Au sommet de sa popularité, dans les années 30, l'artiste avait besoin d'un assistant. Une fois, une jeune émigrée russe Lidia Delektorskaya est apparue dans la maison, qui est devenue la secrétaire du peintre. Par la suite, le couple a divorcé et Dilectorskaya est devenue la dernière muse de Matisse. Parmi tous les dessins et peintures représentant Lydie, le plus célèbre est le tableau « Odalisque. Harmonie bleue» Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'artiste a reçu un diagnostic d'oncologie; après l'opération, l'homme ne pouvait plus bouger. À cette époque, Matisse invente une nouvelle direction dans le domaine du découpage, qui consiste à dessiner des images à partir de morceaux de papier de couleur. Henri Matisse met fin à ses travaux avec un projet de conception d'envergure pour un couvent à Vence. Matisse considérait cette œuvre comme une sorte de signe du destin à la fin de sa vie et la meilleure de sa collection d'œuvres artistiques. Le 1er novembre 1954, Henri Matisse est frappé d'un microcoup. Deux jours plus tard, le grand artiste est mort. La légende dit que Dilectorskaya, avant sa mort, a rendu visite au peintre dans la chambre, où elle a dit : "Un autre jour tu dirais : donnez-moi un crayon et du papier."Henri a répondu avec un sourire :"Donnez-moi un crayon et du papier." Analyse d'un chef d'œuvre : La Danse d'Henri Matisse Faisant partie des plus célèbres oeuvres d’Henri Matisse, la Danse est une ode à la vie, à la joie, à l’abandon physique, et est devenue un emblème de l’art moderne. Caractéristique par sa simplicité et l’énergie qu’elle dégage, cette peinture a laissé son empreinte sur l’art du 20 ème siècle. La Danse a été réalisée à l’apogée du Fauvisme et incarne l’émancipation de l’art par rapport aux conventions traditionnelles de représentation occidentales. Aujourd’hui, la Danse est exposée, avec son homologue , la Musique, au musée de l’Ermitage à Saint Pétersbourg. Les choix esthétiques d’Henri Matisse pour cette oeuvre ont causé le scandale dans les salons en 1910 : les nus audacieux et les couleurs grossièrement appliquées confèrent à l’oeuvre un caractère primitif qui, aux yeux de certains spectateurs peut sembler barbare. Matisse n’a utilisé que trois couleurs pour représenter cette scène festive : du bleu, du vert, et du rouge. Conformément aux associations de couleurs traditionnelles du fauvisme, ces trois teintes vives créent un contraste profond. Charles Caffin, critique d’art qui a observé Matisse travailler sur la toile dans son atelier a déclaré que “les pigments étaient purs dans leurs tubes”. L’économie de style et de détail crée des personnages ambigus : ni leur expression faciale, ni leur sexe ne sont clairement définis. Les silhouettes rouges sont simplement soulignées par des contours appliqués sur un fond bleu et vert. Matisse a exploré la relation entre couleurs et lignes pour créer de l’harmonie. Pour lui, les couleurs n’étaient pas censées fonctionner de façon isolée. De plus, il n’existe pas de caractéristiques architecturales ou de repères pour créer de la perspective ou de la distance. L’immense toile (260 cm sur 391 cm) semble plate, sans profondeur, et se concentre uniquement sur les figures dansantes. Les artistes fauves partageaient avec les primitivistes leur intérêt pour les communautés indigènes, et en étaient inspirés pour créer un art qui reflétait l’essence d’une communion parfaite avec la nature. Ces figures qui communiquent dans un paysage vide, vierge, peuvent être considérées comme la réunification de l’homme avec la nature. Par exemple, la nudité des personnages démontre un rejet de la civilisation moderne. L’oeuvre devient un symbole de uploads/s3/ matisse.pdf