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Séance 1 : Introduction lundi 6 février 2012 12:27 → Lundi : 12h30 - 13h30 (D1)

Séance 1 : Introduction lundi 6 février 2012 12:27 → Lundi : 12h30 - 13h30 (D1) - HLRED 201 Période moderne : début du XVe siècle et Révolution Française (cadre européen) La signification de "La Renaissance" dans le domaine des arts La Période de la Renaissance • Couvre le XV siècle (Quattrocento) et le XVIe siècle (Cinquecento) • Plonge ses racines dans le XIVe siècle, à travers l'œuvre du peintre Florentin Giotto, et remonte même au XIIIe siècle (Cimabue) • CF. Giorgio Vasari, premier historien de l'art, auteur des premières Vies d'artistes, a été aux origines de la notion de "Renaissance" des arts : rupture avec le Moyen Age et filiation avec l'Antiquité d'où le terme de "Renaissance". C'est aussi lui qui a constitué la notion de "Renaissance". Les grandes étapes de la Renaissance • La Renaissance naît en Italie au XVe siècle : Naît d'abord à → Florence (naissance racontée par Vasari) Puis s'étend progressivement à toute l'Italie. → • Au XVe, le renouveau artistique concerne également l'Europe septentrionale, mais c'est au XVIe siècle que la Renaissance sur le modèle italien (avec le modèle de l'art de cour : 1 cour dominée par un prince qui commande des œuvres à des artistes) se diffuse à toute l'Europe (France, Espagne, Angleterre) I. Les facteurs de continuité avec le Moyen Age • Les artistes travaillent toujours sur commande. Ils travaillent à l'embellissement du cadre de vie : églises, palais, lieux publics → la fonction de l'œuvre reste la même + les commanditaires appartiennent à 2 hautes structures sociales: le clergé et les souverains • La plupart des œuvres d'art restent destinées aux églises mais ensuite de plus en plus d'œuvres profanes En premier lieu, → décors d'autels, et surtout du maître-autel de l'église, dans le chœur. Ce décor est appelé retable. Les retables à panneaux multiples sont appelés polyptyques. Leur thème dominant est la Sainte Conservation : la Vierge et l'Enfant Jésus trônant, entourés de saints et d'anges servant d'intermédiaire entre les personnages sacrés et les fidèles → intercession (personnages entre eux dans un espace monumental rappelant le paradis). L'autre grand type de commande: les → peintures murales (fresques) pour les églises, les couvents et les palais. (Chapelle Sixtine, Rome, palais du Vatican, décorée de 1480 à 1530) • Les artistes sont conseillés par le clergé ou par les humanistes. • Stabilité des structures socio-professionnelles : les peintres, les sculpteurs appartiennent à des corporations de métiers, comme tous les artisans. Le mot "artiste" n'existe pas. • Les traditions artisanales sont transmises de maîtres à apprentis dans le cadre des ateliers, qui sont des lieux de formation et de production. Exemple : l'atelier des Bellini à Venise se transmet sur plusieurs générations et assure une certaine continuité tout en connaissant de nombreuses évolutions. Mantegna et Michel-Ange ont travaillé le plus souvent seuls? Ce sont des exceptions à ces ateliers. II. Une nouvelle conception de l'art et des artistes Autonomie de l'art par rapport à l'artisanat La production des œuvres d'art ne relève pas des arts mécaniques, mais des arts libéraux (= des hommes libres, assimilés aux lettrés, aux intellectuels). L'art est une distinction entre arts mécaniques (qui aboutissent à la production matérielle) et les arts libéraux. Cette conception est défendue par Leon Battista Alberti dans son traité sur la peinture (Florence, 1435) : le peintre doit maîtriser la géométrie, disposer d'une vaste culture littéraire, fréquenter les lettrés. Quand on produit des beaux tableaux, ou autres on ne travaille pas seulement avec ses mains mais cette production nécessite aussi un travail intellectuel. Alberti est aussi un architecte en plus d'être un théoricien. La défense du statut de l'artiste présenté dans le traité sur la peinture, s'accompagne d'une promotion sociale. • La promotion sociale des artistes est assurée par le développement des cours princières et le nouvel idéal du Prince, lettré, fastueux et amoureux des arts, ex. le duc d'Urbino Federico da Montefeltro • Les relations entre souverains et certains artistes s'inspirent de l'exemple antique d'Alexandre le Grand et son peintre Apelle, cf. l'empereur Charles Quint et le peintre Titien. • Un signe du développement du statut de l'artiste: le développement de l'autoportrait d'artiste (exemple du peintre allemand Dürer) et de la signature (exemples de Jan Van Eyck et d'Antonello de Messine). Cours 2 : Florence berceau de la Renaissance Italienne. Sculpture et Architecture mardi 14 février 2012 20:12 Florence est une cité-état, avec un régime particulier: c'est une république oligarchique marchande, le pouvoir est détenu par les notables et la noblesse qui font partie de l'organisation marchande, elle reste une république jusqu'en 1534. A partir de 1450 une famille, les Médicis prend l'ascendant sur les autres familles, avec comme personnage dominant Côme de Médicis alias Côme l'ancien qui domine la vie politique de 1434 à 1464 (date de sa mort). C'est un protecteur des arts fastueux qui a fait construire le Palais Médicis qui est le modèle du palais florentin au 15eme siècle. Son petit fils Laurent dit le Magnifique (1469-1492) vit comme un prince est un mécène et protège les artistes comme le peintre Sandro Botticelli, il y a une évolution vers un régime princier. La cathédrale de Florence est le symbole de l'effervescence artistique du 15e siècle mais avec la continuité du MA et la fierté civique de Florence, qui est un guerre avec ses voisines. Le Duomo de Florence = cathédrale de Florence: Santa Maria del Fiore commencé un peu avant 1300 achevé dans les année 1420, et la coupole de Brunelleschi construite par Phillipo Brunelleschi. I - Les chantiers de sculpture et la réinvention de la statue antique. → Le baptistère San Giovanni, face au Duomo. En 1401, on veut décorer le baptistère d'une nouvelle porte de bronze et on organise un concours d'artistes et c'est une date pour fixer le début de la Renaissance en sculpture. Ce concours donne lieu à 2 œuvres monumentales. Lorenzo Ghiberti (le sacrifice d'Isaac 1401 dans un cadre gothique, quadrilobe) Brunelleschi (le sacrifice d'Isaac) C'est Ghiberti qui gagne car il fond son bronze en 1 seul morceau. Malgré l'héritage médiéval (cadre et sujet) mais il y a un retour à l'antique avec Le nu d'Isaac, surtout dans celui de Brunelleschi où un berger se retire une épine du pied et qui fait référence au tireur d'épine, bronze antique, Rome, musée du Capitole. Ghiberti fait une première porte mais on lui en commande une 2ème,"la porte du paradis" baptistère de Florence, 1429-1452,encore plus ambitieuse car grand relief, une technique supplémentaire avec un ajout d'or et les reliefs sont plus modernes (rectangulaire), il intègre toutes les nouveautés de la peinture notamment, la PERSPECTIVE LINEAIRE. Le → 2ème grand chantier est l'église d'Orsanmichel à partir de la décennie 1410: statues en pieds disposées dans les niches de la façade en sachant que les commanditaires sont les corporations de métiers, car elles ont leur lieu de culte dans cette église. Elles s'élèvent sur plusieurs niveaux et dans les parties latérales on observe des niches avec un décor gothique. Les guildes veulent les meilleurs artistes donc mise en concurrence : → Donatello, Saint marc, 1411-1413, qui est la première sculpture de la Renaissance qui ait dans un rapport d'imitation direct avec l'Antiquité, figure drapée qui révèle l'anatomie, le contrapposto, opposition des deux jambes, des deux bras qui traduit un équilibre dynamique et qui est figuré par le drapée "mouillé". La jambe droite tendue est en opposition à la jambe gauche fléchie souligné par la grande oblique du drapée, le pied gauche sort du socle pour montrer qu'elle est en mouvement, il y a une suggestion de mouvement. Le bras droit est tendu et le bras gauche tient le livre, et les épaules sont décalées. Principe nouveau car avant on ne s'intéressait pas à donner une structure réelle avec un mouvement. Donatello met une intensité expressive sur les visages, il les charge d'émotion, même si c'est encore un peu modéré. Donatello a à cœur de faire revivre le relief à l'antique (Cantoria du duomo, 1433- 1446, tribune de chanteur) avec une fonction liturgique chrétienne mais qui s'inspire des bacchanales antiques. La Cantoria → du Duomo est sur 2 niveaux avec la partie supérieure à l'antiqua qui représente la joie des anges dans le paradis, ils courent. L'originalité est multiple car le relief juxtaposé est séparé par des colonnettes mais les anges passent par derrière, les personnages ne sont pas idéalisés, ils sont plein de vie, et les figures habillées sont traitées comme des nus, un drapée mouillé à l'antique. →Donatello, David, entre 1430 et 1450, bronze (Bargello) c'est une ronde bosse, entièrement dégagée, qui n'est pas destinée à s'inscrire dans une niche et elle était placée au milieu de la cour du palais Médicis. C'est un personnage très représenté dans l'art florentin car Florence s'identifie à David. C'est le premier bronze monumental qui renoue avec les nus héroïques antiques. Il a fait acte d'originalité en représentant le personnage nu (car jeune, beau, innocent dans la bible) il a poli toutes les zones de la sculpture pour produire un effet uploads/s3/ histoire-de-l-x27-art-moderne-cm-1.pdf